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| Cover (detail) Istanbul Mid to late 17th century Private Collection |
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| Fragment of a floral serenk of a costume Probably Istanbul Late 16th century Photo by Renee Comet |
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| Dish with a design of blue tulips and red honeysuckle Iznik, ca. 1600 Metropolitan Museum of Art Gift of William B. Osgood Field |
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| Dish with a design of saz leaves and red carnations Iznik, ca. 1600 Metropolitan Museum of Art Harris Brisbane Dick Fund |
Flower Power and Textiles
"The Sultan’s Garden: The
Blossoming of the Ottoman Art"
Pursuing its aims at highlighting
the textile heritage, the Textile Museum of Washington displayed “The Sultan’s
Garden: The Blossoming of Ottoman Art” from September 21, 2012 to March 10, 2013.
The exhibition took the visitor on a tour exploring gardens and flowers, that
were an important feature of Ottoman upper class and court culture, and the
privileged themes chosen by the Ottoman Empire
to embody the wealth, abundance, and influence of the empire, such as a label
or a brand.
Under the reign of Sultan Süleyman the Magnificent (1520-1566), the Ottoman Empire achieved its highest prominence, politically
and economically. The Empire was governed from Topkapi
Palace in the capital Istanbul ,
and extended on three continents from Western Asia, to North Africa, and Eastern Europe . It was in this context that the artist Kara Memi
While flowers represent paradise
and eternity, the love for the design of stylized tulips in particular, derived
from their resemblance to the headdress worn by the Ottomans. In fact, the word
“tulip” comes from “tülbent”, the
delicate fabric used to build the elegant turbans. The symbol of the tulip
subsists until today as it continues to epitomize the arts of Turkey
The floral style on views at
the sultan’s garden has had a lasting impact on the Ottoman Empire, modern
turkey, broader Islamic world, and Europe .
Court workshops exported luxury items to European customers whose own economies
lacked either the technology or tradition, or access to material to produce
such goods themselves. Floral style patterns
appear also on costumes in Italian renaissance, until the influenced
designers of the Arts and Crafts Movement in Great Britain William Morris
The 58 works of art including
court costume, horse adornment, vestments, carpets, brocaded silks, velvets,
furnishings, and two Iznik ceramics, were drawn from the best of The Textile
Museum of Washington’s collection, the Metropolitan Museum of Art, the Saint Louis Art Museum Walter
B. Denny ,
professor of art history at the University
of Massachusetts at Amherst
and Charles Grant
Ellis , research associate in oriental carpets at the
Textile Museum ,
and Sumru Belger Krody Textile Museum October 11,
2012 , Walter
B. Denny
N.B. In order to compensate the inconvenience of a power blackout which occured on the last day of "The Sultan's Garden: The Blossoming of the Ottoman Empire", The Textile Museum of Washington has extended the exhibition until April 14, 2013 with 17 selected master-piece textiles displayed in the Pugh Galleries of the museum.
N.B. In order to compensate the inconvenience of a power blackout which occured on the last day of "The Sultan's Garden: The Blossoming of the Ottoman Empire", The Textile Museum of Washington has extended the exhibition until April 14, 2013 with 17 selected master-piece textiles displayed in the Pugh Galleries of the museum.
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| Embroidered collar from an ecclesiastical Cope (back) Probably Moscow, Russia, 17th century Metropolitan Museum of Art, New York |
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| Cap Damascus or Aleppo, Syria Around 1800 Private Collection |
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| Fragment of a silver-ground safavid textile Iran, 18th century The Textile Museum of Washington Photo by Renee Comet |
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| Sash (detail) Poland 18th century The Textile Museum of Washington Photo by Renee Comet |
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| Skirt border (detail) Crete 17th century Private Collection |
Flower Power et Textiles
"Le Jardin du Sultan: La Floraison de l'Art Ottoman"
Le Musée du Textile deWashington
Dina Hajjé
Le Musée du Textile de
Le Musée du Textile de Washington a poursuit sa mission de mettre en évidence l'héritage textile, en présentant "Le Jardin du Sultan: La Floraison de l'Art Ottoman" du 21 Septembre 2012 au 10 Mars 2013. L'exposition a transporté le visiteur dans un voyage explorant jardins et fleurs, qui étaient une caractéristique importante des classes sociales supérieures et de la culture de cour ottomane. Ils étaient également les thèmes privilégiés choisis par l'empire ottoman pour incarner la richesse, l'abondance, et l'influence de l'empire, tel un label ou une griffe.
Sous le règne du Sultan Soliman le Magnifique (1520-1566), l'empire ottoman a atteint sa plus haute l'importance, politiquement et économiquement. L'Empire était régi du palais de Topkapi à Istanbul la capitale, et s’étendait sur trois continents, de l'Asie occidentale, à Afrique du Nord, jusqu’à l’ Europe de l'Est. C'est dans ce contexte que l'artiste Kara Memi a présenté un répertoire nouveau, de dessins inspirés par des formes trouvées dans la nature.
Kara Memi a été le meilleur élève de Sahkulu, un artiste originaire de Bagdad qui travaillait à la tête du Nakkashane, le plus innovant des nombreux ateliers d’artistes rattachés au Palais impérial de Topkapi. Avant 1550, l'art ottoman consistait principalement en un langage artistique largement commun au monde islamique, représentant le plus souvent des dessins géométriques, des animaux fantastiques, et la flore. Entre les années 1540 et 1560, les fleurs stylisées de Kara Memi, les tulipes, les œillets, les jacinthes, les chèvrefeuilles, les roses et boutons de roses, gagnèrent immédiatement en popularité à travers une large gamme de supports matériels variés, portant les connotations de la cour ottomane, le luxe et le goût raffiné.
Tandis que les fleurs représentent le paradis et l'éternité, l'amour pour la conception des tulipes stylisées en particulier, découlait de leur ressemblance avec la coiffe portée par les Ottomans. En effet, le mot "tulipe" vient de "tülbent", le délicat tissu utilisé pour construire les élégants turbans portés à l’époque. Le symbole de la tulipe subsiste jusqu'à aujourd'hui, car il continue d'incarner les arts de la Turquie.
Le style floral exposé dans Le Jardin du Sultan a eu un impact durable sur l'empire ottoman, la Turquie moderne, le monde islamique, et l'Europe. Les ateliers de la cour exportait des produits de luxe aux clients européens, dont les propres organisations manquaient soit de technologie ou de tradition, ou l'accès au matières prisés pour produire ces biens eux-mêmes. Les motifs de style floréal apparairent également sur les costumes de la renaissance italienne, jusqu'aux créateurs qui influencèrent le mouvement "Arts and Crafts" en Grande-Bretagne, dont William Morris.
Parmi les 58 œuvres d'art exposées, figurent des costumes de cour, des parures de cheval, des vêtements, des tapis, des brocarts de soie, de velours, des meubles, et deux céramiques d'Iznik. Les oeuvres proviennent des meilleures pièces des collections du The Textile Museum de Washington, du Metropolitan Museum of Art, le Saint Louis Museum of Art ainsi que de prêts privés. L'exposition a été co-organisée par Walter B. Denny, professeur d'histoire de l'art à l'Université du Massachusetts à Amherst et Charles Grant Ellis, chercheur associé au tapis orientaux au Musée du Textile de Washington, et Sumru Belger Krody, conservateur en chef des collections de l’ Hémisphère Est au Textile Museum. Le
N.B. afin de compenser l'inconvénient d'une panne d'éléctricité qui a eu lieu le dernier jour de l'exposition "Le Jardin du Sultan: La Floraison de l'Art Ottoman", le Musée du Textile de Washington a prolongé la présentation jusqu'au 14 Avril 2013, en séléctionnant 17 parmi les chef-d'oeuvres textiles exhibés dans les salles Pugh du musée.
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| Loom-width yastik (bolster cover) Probably istanbul 2nd half of the 16th century The textile Museum of Washington Photo by Renee Comet |
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| Loom-width Length of velvet with ogival layout and floral design Bursa or Istanbul, Ca. 1550-1560 The Textile Museum of Washington Photo by Renee Comet |
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| Horse cover Istanbul 2nd half 16th to early 17th century The textile Museum of Washington Photo by Renee Comet |
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| Small re-ground carpet with carnations Probably South-west Anatolia 19th century The Textile Museum of Washington Photo by Renee Comet |
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| Sofra (floor spread) Istanbul Late 17th century The textile Museum of Washington Gift of Roy P. Mottahedeh Photo by Renee Comet |
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| Rabindranath Tagore |
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| Colored ink, watercolor and oil color on paper, Private Collection |
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Animal, colored ink on paper,
ca. 1292-1930,
Coll. Rabindra Bhavana, Santiniketan
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“The Last Harvest”
Paintings by
Rabindranath Tagore
Galleria nazionale d'arte moderna e
contemporanea Rome
By Dina Hajjé
By Dina Hajjé
“The same stream of life that runs through my veins night and day runs
through the world and dances in rhythmic measures. It is the same life that shoots
in joy through the dust of the earth in numberless blades of grass and breaks
into tumultuous waves of leaves and flowers...”
(Rabindranath Tagore , Gitanjali)
Until today,
Tagore ’s vast outpouring of works in diverse fields
of literature, music, art, and education remains as relevant as they were when
created. In fact, the literate man was more than a poet and an author, as he
was as well a philosopher, a social reformer, a musician who composed among
other, the Indian and the Bangladesh Giuseppe
Tucci Gandhi
defined him as “Gurudev” (Master-God), as he sought to reconcile through his
art, the East and the West, considering the modern Indian culture, a crossroads
between the cultures.
To celebrate
the 150th anniversary of Rabindranath
Tagore ’s birth, a world tour exhibition of his
paintings was planned, giving a chance to a larger public to know another quality
of the Poet, through the expression of his drawings and paintings. The tour was
launched in 2011, moving from Seoul , to Chicago , New York , London , Berlin , Amstelveen , Paris
The final
stop for the travelling exhibition is the Galleria d’Arte Moderna e
Contemporanea (GNAM) in Rome Tagore ’s paintings are on view from 29 March
to 27 May 2012 .
The exhibition is called “The Last Harvest” because it was only after the age
of 60 that Tagore started painting.
The
presentation highlights the versatility personality of Tagore ,
leading the visitors to a journey through the universality of his artistic
production. The display is divided into 5 sections, successively representing
real and imaginary animals painted in dark colors
and bright shades, landscapes with bold colors
and shapes recalling European Expressionism, examples of still life
characterized by elegant and exotic forms, stylized and symbolic images of gods
as well as praying or listening figures and female figures, evoking a spiritual
dimension. The last part includes 20 drawing portraits. The techniques vary
from watercolour, to black or colored ink on
paper, in addition to the use of Nepalese paper.
The works of
art on display in “The Last Harvest” constitute only a small part of the whole
quantity of Tagore’s paintings, which comprises about 1600 works preserved at
Rabindra Bhavana (headquarters of Tagore) and at Kala Bhavan Museum of
Visva-Bharati.
The
exhibition is curated by Professor R. Siva Kumar of Visva Bharati University,
and has been organized by Tagore Archive of Rabindra Bhavana and by Bhavan
Museum of Visva-Bharati in cooperation with the National Gallery of Modern Art
of New Delhi Rome , and Maria Giuseppina
Di Monte Rome
The Galleria
nazionale d'arte moderna e contemporanea (GNAM), established in 1883 for the
purpose of documenting the "living" art is nowadays a museum with two
souls, just like two are the centuries it deals with: the 19th and the 20th.Its
important collections in fact, on the one hand mirror the cultural events of
the unitary Italian State also with their international reflections, on the
other hand they are the great historical reserve of the Italian contemporary
art system.
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| H.E. the Ambassador of India to Italy Mr. Shri Debabrata Saha and his wife Mrs. Homai Saha Photo by Dina Hajjé |
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| Professor R. Siva Kuma, Curator of the Exhibition Photo by Dina Hajjé |
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| Series of portraits by Tagore, GNAM Photo by Dina Hajjé |
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| Woman's face, colored ink on paper, ca. 1929-1930 Coll. Rabindra Bhavana |
« La
dernière moisson »
Peintures de Rabindranath
Tagore
Galerie
nationale d'art moderne et contemporain Rome
Dina Hajjé
«Le même fleuve de vie qui court
à travers mes veines nuit et jour court à travers le monde et danse en
pulsations rythmée. C'est cette même vie qui pousse à travers la poudre de la
terre sa joie en innombrables brins d'herbe, et éclate en fougueuses vagues de
feuilles et de fleurs...»
(Rabindranath Tagore, Gitanjali)
Rabindranath Tagore (1861 -
1941) était l'une des figures les plus charismatiques de la culture indienne.
L'extrait ci-dessus exprime au mieux sa vision et son rapport à la nature et
vis-à-vis de l'univers. En 1913, il fut le premier écrivain asiatique à se voir
décerner le prix Nobel de littérature, à la suite de la publication de la
traduction anglaise de Gitanjali: Offrandes chanson en 1912.
Jusqu'à aujourd'hui, la richesse et la créativité des œuvres de Tagore dans
divers domaines de la littérature, la musique, l'art, et de l'éducation,
restent aussi pertinentes qu'elles l'étaient lors de sa création. Cet homme de
culture, était plus qu'un poète et un auteur, il l'était aussi un philosophe,
un réformateur social, un musicien qui a composé entre autres les hymnes
nationaux de l'Inde et du Bangladesh, et aussi un peintre. L'orientaliste et
historien des religions Giuseppe Tucci et Gandhi l'ont défini comme « Gurudev »
(Maître-Dieu), puisqu’il a cherché à concilier à travers son art, l'Orient et
l'Occident, considérant que la culture indienne moderne, était un carrefour
entre les cultures.
Afin de célébrer le 150e anniversaire de la naissance de Rabindranath Tagore,
une tournée mondiale de ses peintures a été prévue, offrant une chance à un
plus large public de connaître une autre facette du poète, à travers
l’expression de ses dessins et de sa peinture. L’exposition itinérante a été lancée
en 2011, voyageant de Séoul à Chicago, New York, Londres, Berlin, Amstelveen,
Paris, avant d'atteindre Rome.
La dernière étape de
l'exposition itinérante, est la Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea
(GNAM) à Rome, où les peintures de Tagore sont présentées du 29 mars au 27 mai 2012 .
L’exposition s’intitule « la dernière moisson », car ce n’est qu’après
l’age de 60 que Tagore se mit à peindre.
La présentation met en évidence
la personnalité polyvalente de Tagore, conduisant les visiteurs à travers
l'universalité de sa production artistique. L'affichage est divisé en 5 thèmes,
successivement représentant des animaux réels et imaginaires peints dans des
couleurs sombres et des tons vifs, des paysages avec des couleurs vives et des
formes rappelant l'expressionnisme européen, des exemples de nature morte caractérisés
par des formes élégantes et exotiques, des images stylisées et symboliques de
dieux ainsi que des personnages recueilli en prière ou à l’écoute et des
personnages féminins, évoquant une dimension spirituelle. La dernière partie de
l’ exposition comprend 20 dessins de portraits. Les techniques varient de l'aquarelle,
à l'encre noire ou en couleur sur papier, en plus de l'utilisation de papier
népalais.
Les œuvres d'art
exposées dans "La dernière récolte" ne constituent
qu'une petite partie de la quantité totale de peintures de
Tagore, qui comprend environ 1600 œuvres conservées à Rabindra Bhavana (siège de Tagore) et au Musée Kala
Bhavan de Visva-Bharati.
L'exposition organisée par le
professeur R. Kumar Siva de l’ Université Visva Bharati, a été
programmée par le Tagore Archive of Rabindra Bhavana et
par le Musée Bhavan de Visva Bharati, en coopération avec la National Gallery of
Modern Art de New Delhi, sous l'égide du Ministère de la Culture du
gouvernement de l'Inde. L'Ambassade de l'Inde à
Rome, et Maria Giuseppina Di Monte, commissaire
d’exposition de la GNAM, ont collaboré à la présentation de
la présentation romaine de "La dernière récolte".
La Galerie nationale d'art moderne et contemporain (GNAM) est aujourd'hui un musée qui possède deux âmes. D'une part, elle est rattachée au passé entretenant un
rapport étroit avec l'histoire culturelle de l'Etat unitaire italien dont elle
reflète chaque événement, y compris la phase préparatoire correspondant à la
première moitié du 18ème siècle. D'autre part, depuis son institution en 1883,
elle a toujours été tournée vers le présent en ayant pour mission de s'occuper
de l'art « vivant ».
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| Four characters, colored ink on paper, Coll. Rabindra Bhavana |
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| Woman with flower, colored ink on paper, Coll. Rabindra Bhavana |
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| Two characters, colored ink on paper |
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| Abstract shapes, colored ink and pastel on paper, ca. 1930-1931, Coll. Rabindra Bhavana |
The portrait of Rabindranath Tagore and the photos of the paintings are a courtesy of GNAM
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| Babel project - MSU Zagreb Photo: Courtesy of MADRE Museum |
Babel
Social Communication Becomes Art
MSU Zagreb – MADRE Museum of Naples
By Dina Hajjé
From 23 November to 3 December, the Museum of Contemporary Art (MSU) in Zagreb is presenting Babel Francesco Jodice
The project is realized through a collaboration between the MSU and the MADRE Museum of Naples, with the support of the Italian Institute of Culture in Zagreb , City Office for Education, Culture and Sport of the City of Zagreb , and the Ministry of Culture of the Republic of Croatia
The blog is activated through a series of diverse access mechanisms (e-mail: babel@msu.hr, blog Babel-Zagreb.blog.hr, Facebook profile Babel Zagreb, text messages at 099 8495532 , snail mail at MSU address) that serve to gather the citizens’ opinions on a variety of issues that concern them. The digital facade thus becomes a temporary mirror, a barometer of public opinion and mood, because during these 10 days it will broadcast the flow of the discussion, as if it were a news agency.
By using social networks’ viral opportunities and instrumentalising the anarchist nature of blogs, Francesco Jodice
As part of the above mentioned collaborative project, the MADRE museum will host the exhibition of the Croatian artists Andreja Kuluncic 19 December 2011 to7 February 2012.
MSU Zagreb – MADRE Musée de Naples
Dina Hajjé
Dina Hajjé
Du 23 Novembre to 3 Décembre, le Musée d'Art Contemporain (MSU) à Zagreb présente Babel, un projet de l'artiste italien Francesco Jodice.
Le projet est réalisé grâce à une collaboration entre le MSU et le musée MADRE de Naples, avec le soutien de l'Institut italien de
Babel va transformer la façade numérique grand du musée de Zagreb dans un blog à ciel ouvert, une interface sociale qui permettra à ses citoyens d'exprimer publiquement leurs intentions, les stratégies, les vues et les désaccords.
Babel est un projet utilisant 400 mètres carrés de la façade de LED comme un moyen d’ expression démocratique. Le nom du projet, Babel, a été tirée de
Le blog est activé par une série de mécanismes d'accès diversifiés (e-mail: babel@msu.hr, blog Babel-Zagreb.blog.hr, profil Facebook Babel Zagreb, les textes messages à
En utilisant les possibilités des réseaux sociaux 'virale et l'instrumentalisation de la nature anarchiste des blogs, Francesco Jodice adapte à la dimension spatiale et temporelle des canaux de communication tels dans un projet d'art avec l'intention d'enregistrer les points de vue et les forces entropiques de la ville - en temps réel et sur une grande échelle. Jodice a toujours interrogé les métropoles de façon presque entomologique, en concentrant ses travaux sur l'analyse des nouvelles relations entre le comportement social et le paysage urbain sur différents lieux géographiques.
Dans le cadre du projet susmentionné de collaboration, le musée MADRE accueillera l'exposition de l’artiste croate Kuluncic Andreja, du
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| MART welcoming entrance |
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| MART courtyard with coupole |
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Vincent Van Gogh
Sel-Portrait
Autumn 1887
Parigi, Musée d’Orsay,
gift of Jacques Laroche
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The Revolution of Perception
Impressionists and Post-Impressionists
Masterpieces of the Musée d’Orsay
By Dina Hajjé
By Dina Hajjé
The awakening of nature during this spring time season, may be the perfect suggestion to view masterpieces that best express the outburst of colours and light. After Australia and North America, a travelling exhibition composed of the unique collection of impressionist and post-impressionist art-works belonging to Paris Musée d’Orsay Italy
Within the modern structure of the MART (Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto/ Museum of modern and contemporary art of Trento and Rovereto) the works of art of Monet, Cézanne, Pissarro, Sisley, Renoir, Degas, Toulouse-Lautrec, Van Gogh, Gauguin, Morisot, Vuillard, Bonnard, Dennis, Courbet, and few others artists, are on show from March 19 to July 24, 2011.
The exhibition which is organized by the director and the curator of Musée d’Orsay, respectively Guy Cogeval and Isabelle Cahn, and by the director of MART Gabriella Belli, proposes to immerse into the world of impressionist and post-impressionist movements with the same perception that revolutionized art in general and painting in the late 1800’s and early 1900’s, through 8 sections: The artist is no longer alone; The artist on the Fringe ; Impressionist Locations; Shows and Entertainments; Listening to the Inner Voice; The Family; Masculine/Feminine; Paradise on Earth.
The impressionist movement owes its name to Monet ’s landscape painting “Impression, Sunrise
The first theme of the exhibition focuses on the paintings illustrating the artists in the atelier, as well playing the role of a cultural circle. In fact, the atelier was the place where the artists of the impressionist period used to meet, to discuss about a diversity of subjects varying from nature to their painting trend, breaking the rules of the conventional established academic style. One of those scenes is visible in the significant painting Homage to Cézanne (1900) by Maurice Denis, immortalizing the Nabi, the group of the “rebelling” artists contesting the academy, and gathered with critics and friends around a painting by the master Paul Cézanne that had belonged to Paul Gauguin, in the shop of the art dealer Ambroise Vollard. The painting suggests also, the relationship between the artist and the innovative and increasing roles of the critic and the merchant, putting in value and promoting the arts.
Next, the display points up the solitude of the artists emarginated by the society due to their controversial trend as regards of the academy. Such examples, are the sense of solitude perceived in Van Gogh’s Bedroom at Arles (1889) and Gauguin ’s Self-portrait with "yellow Christ" (1889) painted before his departure to Tahiti , and clearly expressing the suffering and sacrifice of the artist towards the society rejecting him.
The exhibit proceeds to the works of artists like Monet, Renoir, Sisley, Pissarro who chose to paint scenes outside Paris, in Normandy or in southern France to convey their new vision of the world, by depicting urban and rural landscapes, exploring the light change of seasons and outdoor atmospheric effects. Successively, the masterworks of Toulouse-Lautrec , Seurat , and Degas, illustrate scenes in the cabaret, at the circus, and at the opera, into the psychological dimension of the ballet dancers. The last themes of the exhibition ponder on the intimate topic of the emotions and the psyche, into the dreams and the mystery of symbolism, with a particular highlight on Vuillard ’s painting In Bed (1891), and Courbet ’s The Origin of the World (1866).
The visit ends with a subject that is still actual, enlightening on the contrast of the industrial revolution and triumphalism of science, and the desire to return to explore nature. Cézanne’s Montagne Sainte-Victoire (circa 1890), and Bonnard’s Pastoral Symphony (1916-1920), show explicitly how industrial life was lived by the artists of he time, stimulating them to research for new perceptions.
Mart is one of the most important museum of modern and contemporary art of Italy
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| Paul Gauguin Women of Tahiti (or on the beach) November-December 1891 Paris, Musée d'Orsay, gift of Countess Vitali |
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| Claude Monet Water Lily basin, green harmony 1899 Paris, Musée d'Orsay, Legacy of Count Isaac de Camondo |
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| Vincent Van Gogh Van Gogh's bedroom at Arles 1889 Paris, Musée d'Orsay |
La révolution de la perception
Impressionnistes et post-impressionnistes
Les chefs-d’œuvre du Musée d'Orsay exposés au MART
Dina Hajjé
Dina Hajjé
Le réveil de la nature au cours de cette saison de printemps, peut-être la suggestion parfaite pour admirer des chefs-d'œuvre qui expriment au mieux l'explosion de couleurs et de lumière. Après l'Australie et l'Amérique du Nord, une exposition itinérante composée de la collection unique de tableaux impressionnistes et post-impressionnistes appartenant au Musée de Paris d'Orsay a atteint le MART pour une présentation exceptionnelle en Italie.
Dans la structure moderne du MART (Museo di Arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto / Musée d'art moderne et contemporain de Trente et Rovereto) les œuvres d'art de Monet, Cézanne, Pissarro, Sisley, Renoir, Degas, Toulouse-Lautrec , Van Gogh, Gauguin, Morisot, Vuillard, Bonnard, Denis, Courbet, et quelques autres artistes, sont exposées du 19 Mars au 24 Juillet, 2011.
L'exposition qui est organisée par le directeur et le conservateur du Musée d'Orsay, respectivement Guy Cogeval et Isabelle Cahn, et par la directrice du MART Gabriella Belli, propose de s’immerger dans le monde des courants impressionniste et post-impressionniste avec la même perception qui a révolutionné l'art en général et la peinture vers la fin des années 1800 et au début des années 1900, à travers 8 thèmes: L'artiste n'est plus seul; L'artiste marginal; Les lieux de l’impressionnisme; Spectacles et divertissements; L’écoute intérieure; La famille; Masculin/Féminin; Le paradis terrestre.
Le mouvement impressionniste doit son nom au paysage peint par Monet en 1872 "Impression, soleil levant". Toutefois, ce n’est que deux ans plus tard lorsque le tableau a été présenté dans le studio du célèbre photographe Nadar, que le terme "impressionniste" a été lancé, donnant naissance au nouveau style artistique qui dura de 1874 à 1880, suivi par le mouvement post-impressionniste qui se prolongea de 1880 à 1900.
Le premier thème de l'exposition se concentre sur les peintures illustrant les artistes dans l'atelier, jouant ainsi le rôle d'un cercle culturel. En fait, l'atelier était le lieu où les artistes de la période impressionniste se réunissaient, afin de discuter des sujets les plus variés, allant de la nature à leur style de peindre, qui brisait les règles établies de l’enseignement classique. L'une de ces scènes est visible dans le tableau significatif Hommage à Cézanne (1900) de Maurice Denis, immortalisant les Nabi, le groupe de la «révolte» des artistes qui contestaient l'académie, réunis avec des critiques et des amis autour d'un tableau du maître Paul Cézanne qui avait appartenu à Paul Gauguin, dans la boutique du marchand de tableaux Ambroise Vollard. Le tableau indique également, la relation entre l'artiste et le rôles innovants et croissants du critique et du marchand, valorisant et promouvant l’art.
L’exposition se poursuit, évoquant la solitude des artistes délaissés par la société en raison de leur tendance à la controverse vis à vis de l'académie. Ainsi, un sens de la solitude est perçu dans la chambre de Van Gogh à Arles (1889) de même dans le Portrait de l’artiste au "Christ jaune" (1889) peint par Gauguin avant son départ pour Tahiti, exprimant clairement la souffrance et le sacrifice de l'artiste vers la société qui le rejette.
Plusieurs artistes tels que Monet, Renoir, Sisley, Pissarro, ont choisi de peindre des scènes en dehors de Paris, en Normandie ou dans le sud de la France afin de transmettre leur nouvelle vision du monde, en présentant des paysages urbains et ruraux, en explorant les changements de lumière des saisons et des effets atmosphériques. D’autres chefs-d'œuvre, ceux de Toulouse-Lautrec, Seurat, Degas, illustrent des scènes de cabaret, le cirque, et l’opéra, nous faisant pénétrer dans la dimension psychologique des danseuses de ballet. Les derniers thèmes de l'exposition propose une réflexion de nature plus intime, au sein des émotions et de la psyché, dans les rêves et le mystère du symbolisme, avec une évidence particulière sur les peintures de Vuillard Au lit (1891), et de Courbet L'Origine du monde (1866) présenté pour la première fois en Italie.
La visite se termine avec un sujet qui est toujours d'actualité, éclairant sur le contraste de la révolution industrielle et le triomphalisme de la science, et le désir de retourner à explorer la nature. La Montagne Sainte-Victoire (circa 1890) de Cézanne, et la Symphonie Pastorale (1916-1920) de Bonnard, montrent clairement comment la vie industrielle a été vécu par les artistes du temps, tout en les stimulant à la recherche de nouvelles perceptions.
Mart est l'un des plus important musée d'art moderne et contemporain de l'Italie. Né en 1987, il a été inauguré en 2002. Depuis lors, il a accueilli de nombreuses expositions telles que «montagne art science mythe », « la danse des avant-gardes », « le siècle du jazz ». Sa précieuse collection comprend plus de 12.000 pièces d’art qui sont exposées sur une base rotative. Le musée est également un « laboratoire » culturel dynamique, organisant des cours, des séminaires et conférences, des concerts et des cycles de films, pour les touristes, résidents, professionnels, tandis que le nouveau département BabyMart accueille les enfants et leurs familles, pour apprendre ou partager des activités éducatives.
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| Edgar Degas Ballerina, 4th position front, on the left leg, 1st study Bronze 1896-1911 Paris, Musée d'Orsay |
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| Claude Monet Woman with umbrella facing right: Sketch from life of a figure in open air 1886 Paris, Musée d'Orsay, Gift of Michel Monet |
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| Paul Cézanne The bathers (Men bathing) circa 1890 Paris, Musée d'Orsay Gift of Baroness Eva Gourgaud |
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| Upper view of the House of the Vestals (c)Archivio Fotografico SSBAR/Franco Angeli |
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| House of the Vestals Historical photo - Giacomo Boni excavations (c)Archivio Fotografico SSBAR/Franco Angeli |
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| House of the Vestals during restoration (c)Archivio Fotografico SSBAR/Franco Angeli |
A walk through time
Rediscovering Via Nova and the House of the Vestals
By Dina Hajjé
By Dina Hajjé
In the middle of the Forum Romanum’s ruins, an archaeological section of the high interest was re-opened to the public, on January 27th 2011, after a long period of restoration. The concerned area that can be newly seen, is about 3 acres large, and involves the path known as Via Nova (New Street), and the structure known as Casa delle Vestali (House of the Vestals).
The re-opening of those sections can be a pleasant occasion to visit or rediscover the Forum, for the tourists but also for the citizens living in Rome
The Forum Romanum commonly called Roman forum, is one of the main antique attractions of Rome 19,77 acres located at the feet of the Capitol Hill and of the Palatine Hill, a few steps away from the Coliseum. The word Forum, originally meant enclose, or market-space. The Roman Forum used to be the heart of the city, constituting the civic, political, and religious area of ancient Rome
Via Nova is an important way in the Forum, parallel to the main street Via Sacra, and running alongside the bottom of the Palatine Hill. It guides to the House of the Vestals, and while walking along the street, it is possible to admire on the right side a view of the Forum, and an upper view of the complex of the House of the Vestals. It is believed that Via Nova’s actual configuration is based on an urban plan from afterward the fire of the year 64 AD, although it could be anterior. On the left side of Via Nova, a series of spaces have identified as shops, in which evidences of mosaics and other fragments have been found.
Towards the end of Via Nova, stairs lead down to the House of the Vestals. Originally, the temple of Vesta Rome
The oldest surviving foundation of the House of the Vestals date from the 6th century BC, though the structure that can be seen today, was built in brick-faced concrete, after Nero’s fire in 64 AD. It was then reconstructed by emperor Trajan and restored by Septimius Severus. Around the arcaded courtyard decorated with fountains and statues of the elder priestesses, the house included reception rooms and bedrooms with heating systems and marble paving, in addition to service areas such as a kitchen and a mill. The cult of Vesta in the Roman Forum lasted 1100 years.
The flowers and the grass adorning the basins of the House of the Vestals, are part of the project of valorizing the Forum with environmental spaces. The aim is to give back a romantic aspect to the courtyard, after the idea of Giacomo Boni, the first archeologist to restore the complex at the beginning of the 20th century. Following a study that allowed to identify the species of roses cultivated in antiquity, a similar variety of roses has been replanted
More areas actually under restauration will be soon inaugurated, as the Superintendence for Archeological heritage of Rome continues it wide program of valorizing the Roman Forum, the Palatine and the Coliseum, with the support of the Commissioner delegated to the archeological sites of Rome and Ostia Antica, and the operational support of concessionaires' additional services, such as Electa publishing house, in charge of the catalogues.
Une promenade à travers le temps
More areas actually under restauration will be soon inaugurated, as the Superintendence for Archeological heritage of Rome continues it wide program of valorizing the Roman Forum, the Palatine and the Coliseum, with the support of the Commissioner delegated to the archeological sites of Rome and Ostia Antica, and the operational support of concessionaires' additional services, such as Electa publishing house, in charge of the catalogues.
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| Via Nova Photo by Dina Hajjé |
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| Via Nova (c)Archivio Fotografico SSBAR/Franco Angeli |
Une promenade à travers le temps
Redécouverte de la Via Nova et de la Maison des Vestales
Dina Hajjé
Dina Hajjé
Rome ne s'est pas construite en un jour. De même, il faut du temps pour restaurer une grande quantité de monuments, superposant plusieurs époques de 'histoire.
Au milieu des ruines du Forum romain, une section archéologique de grand intérêt a été rouverte au public, le 27 Janvier 2011, après une longue période de restauration. la zone concerné d'environ 3 hectares, comprend le chemin dénommé Via Nova (Nouvelle Rue) et la structure connue comme la Casa delle Vestali (maison des vestales).
La réouverture de ces espaces peut être une occasion agréable de visiter ou redécouvrir le Forum, pour les touristes mais aussi pour les citoyens vivant à Rome, aficionado de l'archéologie et de l'histoire ancienne.
Le Forum Romanum communément appelé forum romain, est l'une des principales attractions de la Rome antique. Il s'agit d'une zone archéologique de 8 hectares situés au pied de la colline du Capitole et du Palatin, à quelques pas du Colisée. le mot Forum signifiait à l'origine enclos, ou le marché. le Forum romain était le coeur de la ville, constituant la zone civique, politique et religieuse de la Rome antique, avec le sénat, la tribune des orateurs, les palais impériaux, les temples, et plus tard les basiliques.
Via Nova est une voie importante dans le Forum, parallèle à la rue principale Via Sacra, et longeant la colline du Palatin. Elle conduit à la maison des Vestales, et tout en marchant le long de la rue, il est possible d'admirer sur le côté droit la vue du Forum, ainsi qu'une vue panoramique du complexe de la maison des Vestales. On pense que l'aspect actuel de la Via Nova est basé sur le plan urbanistique faisant suite à l'incendie de l'an 64 après JC, bien qu'il puisse être antérieure. Sur le côté gauche de Via Nova, une série d'espaces ont été identifiés comme des échoppes, dans lesquelles des traces de mosaïques et d'autres fragments ont été trouvés.
Vers la fin de Via Nova, un escalier mène à la maison des Vestales. A l'origine, le temple de Vesta situé à coté de la maison des Vestales, formait un complexe unique, l' "atrium Vestae". Déjà vénéré en Asie et en Grèce sous le nom de Hestia, le culte de Vesta, déesse du feu, du foyer et de la famille, semble avoir été amené à Rome vers le 8ème ou 7ème siècle avant JC. L'ordre sacerdotal des Vestales fut ensuite fondé, composé de jeunes filles vierges choisies parmi les familles aristocratiques, qui servaient l'ordre en tant que prêtresses pendant 30 ans. leur position leur apportait richesse et privilèges, mais la chasteté était requise de même que l'observation de certains rites. Leur tâche principale était de garder le feu sacré qui brûlait dans le temple, car selon la croyance, son extinction présageait la fin de Rome.
Les fondations les plus anciennes de la maison des Vestales date du 6éme siècle avant JC, mais la sctructure qui peut être vu aujourd'hui, a été construite en briques de béton à face, après l'incendie de Néron en 64 après JC. Ella a ensuite été reconstruite par l'empereur Trajan et restaurée par Septime Sévère. La maison conprenait une cour centrale entourée de d'arcades, décorée de fontaines et de statues raffigurant les prêtresses les plus âgées, des salles de réceptions et des chambres à coucher dotées de systèmes de chauffage et de pavage de marbre, en plus des zones de services tel que la cuisine et un moulin. le culte de Vesta dans le Forum romain a duré 1100 ans.
Les fleurs et la verdure qui ornent les bassins de la maison des Vestales, font partie du projet de valorisation du Forum avec des espaces verts. L'objectif est de donner un aspect romantique à la cour de la maison, conformément à l'idée de Giacomo Boni, le premier archéologue qui restaura le complexe au début du 20ème siècle. Suite à une étude qui a permis d'identifier les espèces de rosiers cultivés dans l'antiquité, une variété proche de roses a été replantée.
D'autres espaces en cours de restauration, seront inaugurés prochainement. Ainsi la surintendance pour le patrimoine archéologique de Rome continue son étendu progamme de valorisation du Forum Romain, le Palatin et le Colisée, avec le soutien du commissaire délégué aux sites archéologiques de Rome et Ostia Antica, et le soutien opérationnel des services des concessionnaires supplémentaires, y compris la maison d'édition Electa, chargée de la publication des catalogues.
Les fleurs et la verdure qui ornent les bassins de la maison des Vestales, font partie du projet de valorisation du Forum avec des espaces verts. L'objectif est de donner un aspect romantique à la cour de la maison, conformément à l'idée de Giacomo Boni, le premier archéologue qui restaura le complexe au début du 20ème siècle. Suite à une étude qui a permis d'identifier les espèces de rosiers cultivés dans l'antiquité, une variété proche de roses a été replantée.
D'autres espaces en cours de restauration, seront inaugurés prochainement. Ainsi la surintendance pour le patrimoine archéologique de Rome continue son étendu progamme de valorisation du Forum Romain, le Palatin et le Colisée, avec le soutien du commissaire délégué aux sites archéologiques de Rome et Ostia Antica, et le soutien opérationnel des services des concessionnaires supplémentaires, y compris la maison d'édition Electa, chargée de la publication des catalogues.
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| Courtyard of the house of the Vestals Photo by Dina Hajjé |
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| Statues of the Vestals Courtyard of the house of the Vestals Photo by Dina Hajjé |
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| Courtyard of the House of the Vestals: Basins adorned with flowers replanted and the Domus Tiberiana flanked to the Palatine Hill (c)Archivio Fotografico SSBAR/Franco Angeli |
